Découvrez le studio de l'artiste Christopher Pierce

Christopher Pierce est un artiste de renom national qui peint des fleurs, des natures mortes, des portraits, des figures et des intérieurs avec panache et une sensibilité mature. En plus de ses portraits époustouflants, il est bien connu pour les immenses et imposantes fleurs issues de l'abondance de ses jardins. Pierce a remporté plusieurs prix nationaux et a été présenté dans de nombreux magazines à l'échelle internationale.

L'artiste, que l'on a qualifié de réaliste poétique, a grandi près de New York et a fréquenté la Hackley School à Tarrytown où son talent a été reconnu très tôt. Il a obtenu son diplôme de premier cycle au Skidmore College et sa maîtrise au College of St. Rose. Il a également étudié avec David A. Leffel et Terrence Coyle à l'Art Student's League.

C'est maintenant votre chance de vous immerger directement dans le processus de l'artiste Christopher Pierce. Découvrez comment il a développé sa carrière d'artiste en vivant et travaillant à Shushan, NY. Découvrez quel artiste a laissé une marque durable sur son processus créatif et comment il intègre la musique et l'art dans sa vie quotidienne. Continuez à lire pour entrer dans l'atelier de l'artiste avec Christopher Pierce lui-même.

Q : D'où venez-vous à l'origine et où êtes-vous situé maintenant ?

"J'ai toujours été un artiste, d'aussi loin que je me souvienne. L'art n'était pas quelque chose de spécial dans notre maison. C'était ce que l'on faisait. J'avais une boîte de peinture à l'huile quand j'avais six ans et j'allais souvent peindre avec ma mère. J'ai grandi dans le comté de Westchester et j'ai fréquenté la Hackley School à Tarrytown, NY. Là, j'ai eu le droit d'étudier l'art comme matière principale et j'ai reçu le prix Sherman pour l'art à la fin de mes études. Au moment de mon année de terminale, je peignais au moins trois heures par jour. Je voulais devenir artiste.

Mais je voulais aussi être pianiste et je pratiquais également trois heures par jour… J'ai finalement choisi la musique et j'étais pianiste et professeur, vivant à Shushan, NY."

Q : Comment avez-vous commencé votre carrière d'artiste ?

"Malgré ma décision de me tourner vers la musique, le destin s'en est mêlé et on m'a diagnostiqué la maladie de Menière, qui est un déséquilibre du liquide lymphatique dans l'oreille interne. Je m'effondrais avec de graves vertiges de manière aléatoire… sans jamais savoir quand cela allait arriver. Mon audition a commencé à baisser dans mon oreille droite, et six spécialistes m'ont dit que je risquais de devenir sourd. J'ai cru que ma vie était finie.

Je suis allé voir un herboriste vietnamien qui m'a prescrit un régime d'herbes chinoises puissantes, de l'exercice et une alimentation saine. Je n'ai pas eu de crise depuis.

Après avoir surmonté la dépression initiale, j'ai décidé que je devais changer de carrière immédiatement si je risquais de devenir sourd ; j'ai donc étudié brièvement à l'Art Student's League. C'était l'été et ma carrière de professeur de piano privé me permettait de m'absenter pendant cette période. Mais j'avais besoin de subvenir à mes besoins et je ne pouvais pas rester à New York. À l'automne, j'ai dû retourner dans le nord pour enseigner, essayant de trouver un moyen de m'offrir la même éducation que celle proposée par l'Art Student's League.

Avec l'encouragement d'un bon ami, j'ai organisé un groupe de dessin de trois heures avec un modèle nu cinq jours par semaine, et j'ai suivi, à la lettre, 'Une méthode naturelle de dessin' de Kimon Nicolaides.

J'ai commencé à participer à autant d'expositions et de foires d'art locales que possible. En exposant dans de petites galeries, des bibliothèques et des églises, j'ai montré mon travail partout où je pouvais. Tout était mon sujet.

J'ai commencé à enseigner le piano seulement quatre jours par semaine pour me donner plus de temps devant mon chevalet. Puis trois jours par semaine… puis deux, et finalement j'ai abandonné l'enseignement du piano parce que je vendais suffisamment de peintures et de dessins pour subvenir à mes besoins.

J'ai eu beaucoup de chance, et les gens ont commencé à remarquer mon travail. Un ami m'a aidé à construire un bâtiment séparé comme atelier. Jusque-là, j'utilisais la salle de musique de la maison comme espace de travail. J'ai développé mon CV en commençant à remporter des prix dans des concours locaux, puis nationaux ; et des articles ont été écrits sur mon travail. Avec cette nouvelle attention, les galeries ont commencé à s'intéresser, et j'ai commencé à être représenté par des galeries très haut de gamme…

Je gagnais réellement ma vie grâce à mon travail…"

Q : Comment décririez-vous votre œuvre ?

"Je suis devenu un peintre à l'huile réaliste contemporain. L'huile était mon médium de prédilection depuis le lycée. Mon parrain, Leandro Delgado, était principalement un peintre à l'huile et je suis tombé amoureux de l'odeur, de la texture et de l'aspect des huiles quand j'étais enfant. À un moment donné, je broyais mes propres pigments, mais j'ai constaté que je n'avais pas le temps pour cela. Et en fait, les meilleures peintures à l'huile professionnelles sont meilleures que celles que je broyais.

Être peintre doit figurer parmi les professions les plus polyvalentes. Quand je suis à la maison, je peins, et quand je voyage, je peins. Je peins principalement dans mon atelier, mais je ressens le besoin de sortir et de me "rafraîchir" ; et ce faisant, je trouve que peindre des paysages est un véritable défi pour moi et une chance de résoudre plus de problèmes avec la peinture.

Que je peigne à l'intérieur ou à l'extérieur, il n'y a pas de doute quant à mon sujet préféré : les gens ! Peindre est pour moi un effort tellement solitaire que j'accueille tout modèle humain pour se tenir ou être devant moi… et c'est un défi pour moi de les placer aussi bien dans des paysages que dans des intérieurs… c'est un tout autre ensemble de règles à l'extérieur avec des conditions d'éclairage si différentes… peindre en plein air m'aide en fait à peindre à l'intérieur car cela me donne de nouvelles idées sur la lumière… puisque je ne peins qu'à la lumière naturelle même à l'intérieur, je fais des comparaisons et des contrastes sur la façon dont la lumière tombe sur quelqu'un. Même si c'est la même lumière qui entre dans mon atelier par une fenêtre ou un puits de lumière, elle a un aspect différent sur le modèle… est-ce juste les différentes réflexions et les conditions environnantes ? Ou la couleur du verre ? Ou la lumière diffuse ? Etc…"

Q : Parlez-nous du processus de création de votre œuvre du début à la fin.

"95% de mon travail est réalisé d'après nature. C'est plus facile ! Il y a tellement plus d'informations ! Mais, bien sûr, il y a des situations où il est nécessaire d'utiliser d'autres médias. J'ai eu une commande de portrait pour peindre trois enfants de 3, 5 et 7 ans. Il leur était très difficile de rester immobiles assez longtemps pour travailler avec eux, alors avec l'aide de mon Nikon D 300, je les ai fait poser pour des photos. Ils posaient aussi d'après nature, mais les photos étaient une sauvegarde nécessaire.

Presque toutes mes autres peintures sont réalisées alla prima, dans le sens où, dans une grande peinture florale, je vais travailler et terminer la tête d'une fleur humide sur humide, et cette fleur sera terminée. Le lendemain, j'en ferai une autre. Il est possible de revenir en arrière, d'« huiler » une section de la toile et de commencer à peindre, mais je préfère peindre pendant que la toile est encore fraîche avec la peinture initiale… le résultat est plus juteux, sensuel et pictural.

J'avais l'habitude de broyer mes propres pigments, mais je trouve que je n'ai plus assez de temps. Je préférerais passer tout mon temps à peindre. Je pense maintenant que le broyage prend beaucoup de temps et d'énergie ; et en fait, les peintures "achetées en magasin" sont aussi bonnes, voire meilleures, que ce que je broyais. Mais quand je le faisais, je voulais être aussi "pur" que possible avec mes matériaux ; et je respecte quiconque ressent cela. Je pense aussi que broyer ses propres pigments peut donner à l'artiste un sens plus fort de son objectif et de sa conviction quant à ce qu'il fait. Hmm… peut-être recommencerai-je à broyer des pigments un jour.

J'utilise un chevalet Hughes 300 et je ne sais pas comment j'ai pu peindre sans lui. À l'extérieur, j'utilise un demi-chevalet français Julian. Je peux le glisser dans mes bagages lorsque je voyage à l'étranger. Je peins presque toujours d'après nature et j'utilise la lumière naturelle. Je suis inspiré par la vie et je peins tout. Mon sujet n'est pas limité. Je grandis en tant que portraitiste lorsque je peins des paysages, et vice versa."

Q : Où cherchez-vous l'inspiration ?

"Pendant mon séjour au centre d'étude Rockefeller à Bellagio, en Italie, au bord du lac de Côme, je sortais tous les jours avec cet équipement. J'avais l'impression d'avoir tout mon atelier avec moi. J'ai aussi peint de la même manière en France. Et il y a deux ans, juste avant le Covid, j'ai passé trois mois en Italie à peindre tous les jours à Il Palmerino, juste à l'extérieur de Florence. Pour moi, c'est une joie de peindre là où il y a des gens. Certains d'entre eux sont involontairement mis dans mes tableaux."

Q : Y a-t-il des artistes spécifiques qui vous ont inspiré ?

"Vivre près de New York enfant et adolescent a été une bénédiction grâce à toutes les opportunités culturelles. Je me souviens avoir vu la peinture de John Singer Sargent, "Madame X" au Metropolitan Museum quand j'étais enfant. Cela m'a laissé une forte impression, et j'ai commencé à chercher son travail dans d'autres musées et livres. Il pouvait peindre n'importe quel sujet, et son influence a probablement eu l'effet le plus profond sur mon travail plus que tout autre artiste."

Q : Comment occupez-vous votre temps libre en dehors de la création artistique ? Avez-vous des passe-temps préférés ?

"Il s'est avéré que je n'ai pas perdu mon audition, donc en plus de peindre tous les jours, je pratique aussi le piano, au point, parfois, de donner des récitals. En plus de me produire ici, lorsque j'étais en Italie il y a deux ans, j'ai donné un récital dans une petite ville des Apennins. Ce fut une expérience extraordinaire pour moi, jouée sur un piano extraordinaire, un Bluthner Concert Grand de 1911 restauré."

Q : Qu'est-ce que vous aimez le plus dans votre métier d'artiste ?

"Je n'imagine pas une meilleure façon de vivre. La beauté m'entoure dans tous mes sujets, et dans toute la musique que j'entends."